Современная итальянская живопись
vanatik05
vanatik05 vanatik05 (Nataly)
«Художник нам изобразил
Глубокий обморок сирени
И красок звучные ступени
На холст как струпья положил.
Он понял масла густоту, —
Его запекшееся лето
Лиловым мозгом разогрето,
Расширенное в духоту…»
Осип Мандельштам
Итальянские художники второй половины и конца 19 века, как мы говорили в предыдущей части, пришли примерно на десятилетие раньше французских импрессионистов к пониманию необходимости отказа от жесткого следования академическим, классическим канонам и поиску новых современных форм, средств и тем в живописи.
Группа художников, объединившихся в движение Маккьяйоли (Macchiaioli), может считаться предтечей французского импрессионизма, а некоторые из них с полным основанием могут быть названы итальянскими импрессионистами в широком понимании этого термина.
Vito D’Ancona (1825 – 1884) родился в Пезаро в богатой еврейской семье, обучался живописи во Флоренции, в 19 лет поступил в Художественную Академию, увлекался историей и философией. Там он познакомился и подружился с Де Тиволи, они оба начали писать пейзажи на пленэре.
Как и многие художники того времени в 1848 году присоединился к отрядам Гарибальди, а позже вошел в группу художников из кафе «Микеланджело». В 1856 году вместе с Синьорини Анкона увлекся в Венеции искусством великих венецианских мастеров, особенно Джакомо Пальма Старшего, но уже тогда он считал, что нужно отходить от академических традиций и исторических тем и отражать современные стили и темы в искусстве.
С 1968 года он обосновался в Париже, побывал в Лондоне, вернулся во Флоренцию. Получив классическое образование, он остался все-таки в его плену, хотя в некоторых его сладострастных женских «ню», написанных в сумерках буржуазных интерьеров, мы видим использование света и цвета характерное не столько для творчества импрессионистов, сколько голландцев.
Последние 6 лет жизни Анкона тяжело болел и не рисовал, его работы хранятся не только в музеях Италии, но и в Музее Израиля.
Raffaello Sernesi (1838 – 1866), родился в небогатой семье во Флоренции и первоначальные художественные навыки получил в граверной мастерской, а затем учился в Художественной Академии, где сделал удачные копии картин некоторых художников эпохи кватроченто.
После смерти отца Сернези в возрасте 20 лет остался основным кормильцем в семье, вынужден был оставить Академию и работать гравером. Он начинает посещать кафе «Микеланджело», знакомится с художниками группы Маккьяйоли, участвует добровольцем во Второй войне за независимость, а после возвращения во Флоренцию увлекается написанием пейзажей на пленэре.
Критика отмечает в его работах «лазурные и терракотовые оттенки типичного пейзажа Тосканы и ее фресковой традиции «.
Сернези много работает, удачно выставляется, но в 1866 году, будучи патриотом Италии, он сражается в отрядах Гарибальди, получает тяжелое ранение ноги и попадает в плен к австрийцам. У него начинается гангрена, но из-за категорического отказа от ампутации ноги он вскоре умирает в возрасте 28 лет.
Odoardo Borrani (1833 – 1905) родился в Пизе, учился в Академии художеств во Флоренции, получил классическое академическое образование, но как и многим его современникам,ему было тесно в этих рамках.
Он искал новые формы, и после возвращения из короткой военной кампании 1859 года он знакомится с Синьорини и Кабьянкой и присоединяется к группе Маккьяйоли.
С 1862 года он вместе со своими товарищами много рисует на природе и проводит лето в Кастильончелло, в доме критика Диего Мартелли (о нем ниже).
В 1875 году вместе с Лега Боррани открывает галерею для помощи и продвижения молодых художников, но вскоре оставляет бизнес и работает учителем рисования, декоратором и графиком до конца жизни.
Несколько слов о человеке, который вообще-то не был настоящим художником, но сыграл большую роль в становлении и расцвете движения Маккьяйолли, в приближении его к импрессионизму. Речь идет о Диего Мартелли (1839 – 1896), родившемся во Флоренции в очень патриотической, просвещенной и культурной семье.
Начав изучать естественные науки и не испытывая к ним интерес, он бросает университет в Пизе и увлекается искусством, знакомится с художниками в кафе «Микеланджело», заражается идеями импрессионизма, становится критиком и искусствоведом, дружит со многими итальянскими и французскими художниками, особенно с Дега.
Он принимает их в своем доме, помогает финансово и дружески, много и увлеченно занимается политикой социологией и активно участвует в масонской ложе.
Многие художники рисовали этого большого, грузного доброго и гостеприимного человека, без которого трудно представить итальянский импрессионизм.
Adriano Cecioni (1836 – 1886) родился во Флоренции и начинал свое художественное образование во флорентийской Академии как скульптор,
принимал участие во Второй итальянской войне, в 1863 году получил грант для обучения в Неаполе и не только успешно выставлялся как скульптор, но и писал жанровые сценки.
После путешествия в Лондон, участия в конкурсе карикатур, Адриано в основном посвящает свое время написанию картин на бытовые темы и работе профессором рисования.
В конце 70-х годов он много сил отдает также написанию искусствоведческих критических работ.
Giovanni Boldini (1842 – 1931) родился в Ферраре в семье религиозного художника, получив от него первые навыки в рисовании, шесть лет провел во Флоренции, обучаясь живописи и посещая занятия в Академии.
Встреча с художниками, образовавшими позже движение Macchiaioli, оказало на него влияние, проявившееся не только в его пейзажной живописи,
но и в портретах, которые принесли ему известность. Болдини становится модным портретистом, получая заказы от многих ведущих членов общества в Лондоне и Париже в конце 19 века.
Он знакомится с Дега, на него оказывает влияние манера Сарджента, во многих его работах этого времени явно просматривается влияние импрессионистов.
За резкую, живую, страстную манеру письма Болдини получил прозвище «мастер свистящего мазка».
Он много выставляется в Париже, Лондоне, Берлине, его искусство приносит ему богатство и славу.
Federico Zandomeneghi (1841 – 1917), родился в Венеции в семье известных скульпторов, начальные художественные знания получил дома, но скульптура его не привлекала. Уже в 1862 году, после участия в отряде Гарибальди, молодой Федерико в течение пяти лет активно участвует в движении Macchiaioli во Флоренции.
После недолгого возвращения в семью в Венеции в 1874 году он уезжает в Париж, горя желанием познакомиться с творчеством импрессионистов, думая провести там несколько недель, но остается навсегда. Приехав туда в возрасте 33 лет уже сложившимся художником, он сумел воспринять новые тенденции.
Находясь в тени таких выдающихся импрессионистов, как Дега и Ренуар, он тем не менее рассматривается сегодня как колорист первого порядка, его французские друзья называли его «великим рисовальщиком».
Работы Zandomeneghi сохраняют национальный характер, он занимает видное место в истории живописи Италии и Франции, а его женские портреты и цветы выгодно отличаются от работ самых знаменитых мастеров импрессионизма.
Последние годы его жизни совпали с грозными событиями в Европе начала века, он был почти забыт, и был признан на родине только после смерти. Сегодня его картины хранятся во многих музеях (например, Питти во Флоренции) и частных коллекциях Италии. Думаю, и моим читателям они тоже понравятся.
Giuseppe De Nittis (1846 – 1884) – художник, большую часть сознательной жизни проживший в Париже, и которого, как и Дзандоменеги, можно с полным основанием считать импрессионистом.
Он родился в Барлетта, учился в художественном институте в Неаполе, но был выгнан оттуда за неповиновение, но его участие двумя картинами в выставке в Неаполе принесло ему первую известность. Де Ниттис познакомился с некоторыми художниками из группы Маккьяйоли, находит в них единомышленников, начинает работать и выставляться во Флоренции.
В 1867 году он переезжает в Париж, где пишет по договору жанровые сценки на продажу, ненадолго возвращается в Италию для работы на пленэре, и вскоре опять уезжает в Париж, где в 1874 году участвует по приглашению Дега в выставке импрессионистов.
Поездка в Лондон пробудила в нем интерес к пастельной живописи, он постоянно возвращался к ней и популяризировал ее. Его дом в Париже был местом встреч парижской богемы и выходцев из Италии, многие из которых служили ему моделями для портретов.
За 12 картин, участвовавших во Всемирной выставке 1878 года, Де Ниттис был награжден Золотой медалью и в том же году получил Орден почетного легиона.
В возраста 38 лет он внезапно умирает от инсульта, оставив после себя прекрасные работы, хранящиеся сегодня во многих крупнейших музеях мира.
Конечно, в данном обзоре итальянского импрессионизма упомянуты не все художники этого направления, но о ведущих, наиболее известных я постаралась рассказать и передать мое трепетное отношение к ним. Для полноты впечатления рекомендую посмотреть музыкальный клип, посвященный этой (второй) части повествования.
Величайшие итальянские художники.
Художники Италии эпохи Проторенессанса
Термин «эпоха Возрождения» (Ренессанс) относится к временному отрезку с XIV по XVI в. Исторические документы свидетельствуют, что до этого времени Европа была погружена в религиозное мракобесие и невежество, что, соответственно, не давало развиваться искусству. Но вот пришло время, светская жизнь стала понемногу оживляться, что дало толчок развитию науки и культуры, наступила эпоха Проторенессанса. Миру были явлены художники итальянского Возрождения.
В Италии XIV века появляются живописцы-новаторы, которые стали искать новые творческие приемы (Джотто ди Бондоне, Чимабуэ, Никколо Пизано, Арнольфо ди Камбио, Симоне Мартине). Их творчество стало предвозвестником грядущего рождения титанов мирового искусства. Самым именитым из названных мастеров живописи, пожалуй, является Джотто, которого можно назвать настоящим реформатором итальянской живописи. Его самая знаменитая картина – «Поцелуй Иуды».
Итальянские художники раннего Возрождения
Вслед за Джотто пришли такие живописцы, как Сандро Боттичелли, Мазаччо, Донателло, Филиппо Брунеллески, Филиппо Липпи, Джовани Беллини, Лука Синьорели, Андреа Мантенья, Карло Кривелли. Все они явили миру прекрасные картины, которые можно увидеть во многих современных музеях. Все они – итальянские великие художники раннего Возрождения, и о творчестве каждого из них можно говорить очень долго. Но в рамках данной статьи мы коснемся подробнее только того, чье имя наиболее на слуху – непревзойденного Сандро Боттичелли.
Вот названия самых знаменитых его полотен: «Рождение Венеры», «Весна», «Портрет Симонетты Веспуччи», «Портрет Джулиано Медичи», «Венера и Марс», «Мадонна Магнификат». Этот мастер жил и творил во Флоренции с 1446 г. по 1510 г. Боттичелли был придворным художником семьи Медичи, именно этим обуславливается тот факт, что его творческое наследие изобилует не только картинами на религиозные сюжеты (таких в его творчестве было немало), но и множеством образцов светской живописи.
Художники Высокого Возрождения
Эпоха Высокого Возрождения – конец XV и начало XVI века – время, когда создавали свои шедевры такие итальянские художники, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан, Джорджоне… Какие имена, какие гении!
Особенно впечатляет наследие великой троицы – Микеланджело, Рафаэля и да Винчи. Их картины хранятся в лучших музеях мира, их творческое наследие восторгает и приводит в трепет. Наверное, в цивилизованном современном мире не существует такого человека, который бы не знал, как выглядит «Портрет госпожи Лизы Джокондо» кисти великого Леонардо, «Сикстинская мадонна» Рафаэля или прекрасная мраморная статуя Давида, созданная руками неистового Микеланджело.
Итальянские мастера живописи и скульптуры эпохи позднего Возрождения
Позднее Возрождение (середина XVI века) подарило миру немало прекрасных живописцев и скульпторов. Вот их имена и краткий перечень самых известных работ: Бенвенуто Челлини (статуя Персея с головой Медузы Горгоны), Паоло Веронезе (картины «Триумф Венеры, «Ариадна и Вакх», «Марс и Венера» и др.), Тинторетто (картины «Христос перед Пилатом, «Чудо св. Марка» и др.), Андреа Палладио-архитектор (вилла «Ротонда»), Пармиджанино («Мадонна с младенцем в руках»), Якопо Понтормо («Портрет дамы с корзиночкой для пряжи»). И хотя все эти итальянские художники творили во времена заката Ренессанса, их работы вошли в золотой фонд мирового искусства.
Эпоха Возрождения стала уникальным и неповторимым периодом в жизни человечества. Отныне никогда и никому не удастся разгадать тайны мастерства тех великих итальянцев или хотя бы приблизиться к их пониманию красоты и гармонии мира и умению при помощи красок переносить совершенство на холст.
Другие известные художники Италии
После окончания эпохи Возрождения солнечная Италия продолжала дарить человечеству талантливых мастеров искусства. Нельзя не упомянуть имена таких известных творцов, как братья Караччи – Агостино и Аннибале (конец XVI века), Караваджо (XVII век) или Никола Пуссен, живший в XVII веке в Италии.
И в наши дни творческая жизнь не затихает на Апеннинском полуострове, правда, итальянские современные художники пока не дотягивают до того уровня мастерства и славы, которая была у их гениальных предшественников. Но, как знать, возможно впереди нас вновь ждет Возрождение, и тогда Италия сможет явить миру новых титанов искусства.
Итальянское искусство ХХ века: взгляд выдающихся художников области Марке
Нет сомнения, что в XX веке одной из главных особенностей художественного творчества в Европе, и на Западе в целом, явился плюрализм. Начиная с импрессионизма, в движение был приведен мощный поток центробежных сил, который преумножил и распространил по всему свету различные формы образного выражения и достиг гигантских размеров с появлением после Второй мировой войны исторического авангардизма и неоавангардизма. Это активное продвижение новых форм временами замедлялось, прерывалось паузами, размышлениями, что влекло за собой новые и более стремительные взлеты отдельных художественных стилей.
Двадцатое столетие, особенно его первая половина, — это время «измов» (фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, лучизм, конструктивизм, супрематизм, дадаизм, абстракционизм, неопластицизм, сюрреализм), через которые творческий дух воплотился в разные, иногда противоположные по своей природе наборы выразительных средств.
Италия внесла свою лепту в ранние революционные преобразования, представив миру необычную авангардистскую экспрессивную линию — футуризм, который, наряду с французским кубизмом и в противовес ему, начал влиять на другие течения, такие как русские кубофутуризм и лучизм, а также дадаизм (их доведенное до крайности, чрезмерно преувеличенное проявление), и распространился в странах, очень далеких от Европы как с географической, так и с культурной точки зрения, например в Японии.
Кроме того, итальянская креативность широко проявилась в экспрессивной и абстрактной стилистике, но особенно заметна она в подчеркнутом внимании к неповторимой индивидуальности с характерными моментами рефлексии, как, например, у художников группы «Новеченто» («Двадцатый век», являвшейся частью широкого движения европейского масштаба, называемого «Возвращение к порядку») или в метафизической живописи Джорджо Де Кирико.
Во второй половине ХХ века на фоне глубоких трансформаций в национальной экономике, которая из преимущественно земледельческой превратилась в индустриальную с вытекающими отсюда изменениями культурного и социального характера, участие Италии в неоавангардизме и интернациональном развитии художественной и пластической манеры выражения стало более содержательным и значительным с точки зрения качества.
В самом центре событий оказалась местность, которая не могла похвастаться ни территориальной, ни демографической значимостью (всего лишь 10 000 квадратных километров и 1 500 000 жителей). Это область Марке, раскинувшаяся на фоне горных цепей, уходящих на запад, среди ослепительных холмов и равнин центральной части, с выходом на морское побережье Адриатического моря на востоке, регион, который на протяжении многих веков вносил и продолжает вносить выдающийся вклад в развитие искусства — живописи, скульптуры и гравюры, как национальной, так и европейской и международной. С ним связаны имена, по крайней мере, семи выдающихся личностей, но особенно хочется отметить трех великих художников XVI века: Рафаэлло Санцио, Донато Браманте и Лоренцо Лотто; первые двое родились в Марке, а третий жил в Марке до конца своих дней.
Как можно убедиться, любопытная особенность данной местности имеет давние корни, но особенную значимость она приобрела в XX веке, когда количество талантливых художников, признанных на национальном и мировом уровнях, стало действительно ощутимым. Полагаю, существуют две причины возникновения этого феномена: первая относится к уникальному пейзажу местности, вторая — к ее экономической специфике, которая характеризовала территорию на протяжении веков, другими словами — к сельскому хозяйству и ремесленному производству. Как уже говорилось, местные пейзажи завораживают своей красотой: не слишком выразительные возвышенности пересекаются вплоть до самого моря извилистыми холмами, похожими на женское тело (их очертания напоминают женскую грудь и бедра), которые в свою очередь возвышаются над зелеными или ярко цветущими долинами, славящимися плодородием благодаря обширной сети оросительных каналов. Человек вложил свою любовь в эту землю, превратив холмы в цветные геометрические фигуры, которыми пестрят окрестности прибрежных поселений. Сегодня они тесно связаны со вторым по значению рыболовным портом Италии, который находится в Сан-Бенедетто-дель-Тронто, приморском городе на юге области Марке. Нет ничего удивительного в том, что у местных жителей, каждый день созерцающих прекрасные, полные изящества пейзажи, со временем формируется склонность к эстетическому восприятию окружающего мира и просыпается желание воспроизводить и творить прекрасное.
Второй ряд причин, вследствие которых на данной территории очень развито искусство, — это наличие у населения Марке того самого чувства созидания, которое древние греки называли «поэзис». В местных жителях действительно живет настоящая, пустившая глубокие корни религия работы, построенная на понятиях «дело» и «хорошо сделанная работа». Таким образом, дело, понимаемое как ручной труд (на протяжении веков здесь доминировали земледельческая и ремесленная экономики, для которых ручной труд являлся определяющим моментом; сейчас экономику можно назвать ремесленно-индустриальной, при этом она продолжает оставаться во многом земледельческой), обогащенный глубоким пониманием красоты, порождает загадочный во многих отношениях феномен, который проявился в человеке в тот самый момент, когда он из человекообразной обезьяны превратился в человека, пусть даже в самой первобытной форме. Именно это мы обычно и называем искусством. Здесь также можно говорить о креативности, изобретательности, фантазии, которые стали заметными благодаря высокому уровню ремесленного труда. (Не случайно, что в современную эпоху с развитием индустриального общества жители региона Марке к искусству добавили дизайн, иначе говоря, эстетическое конструирование изделий серийного производства, в котором жители области Марке превосходят всех в Италии и во всем мире. Ценность «made in Italy” состоит именно в этом, и на самом деле надо говорить о «made in Марке”: особенно это касается мебельной, обувной и многих других производственных отраслей.)
Те характерные особенности, которые мы выделили, — их можно назвать подарком судьбы или проявлением божественной щедрости — привели к тому, что итальянское искусство, имеющее много общего, как уже отмечалось, с искусством других народов, нашло точное отражение в том, что делают художники Марке, среди которых выделяют три категории: рожденные и живущие в Марке, рожденные и эмигрировавшие, и те, кто пусть даже и не родился в области Марке (итальянцы или иностранцы), но выбрал эту землю и считает ее идеальным местом для своего существования и творческой деятельности. Все это становится очевидным благодаря выставке «Итальянское искусство ХХ века: взгляд выдающихся художников региона Марке», которую автор статьи придумал и организовал. Выставка, прошедшая под патронажем Российской академии художеств с 23 ноября 2006 года по 13 февраля 2007 года, будет представлена в столице области Марке — Анконе, в центре Италии, на Адриатическом море.
97 картин, созданных 35 художниками, представляют историю развития практически всего итальянского искусства (а в какой-то степени и европейского), начиная с национального варианта европейского движения ар нуво, так называемого либерти, которое объединило конец XIX века с началом XX и нашло свое выражение в творчестве художника Адольфо Де Каролис (1878-1928). Следом за ним широкое распространение получил многоплановый и ярко выраженный экспрессионизм, широко представленный восхитительным Джино Боники (Сципион), который прожил всего 29 лет, покинув мир в 1933 году, а также другими именами, чье творчество свидетельствует о слиянии средиземноморских традиций с выдающимся авангардистским движением, зародившимся в Германии, — Луиджи Бартолини, Орфео Тамбури, Перикле Фаццини, Арнольдо Чиаррокки, Аттилио Альфиери и Коррадо Кальи.
Футуризм — авангардистское течение, возникшее в Италии в 1910 году, — представляют Иво Панаджи (этот футурист, переехав на север Европы, поддался обаянию Баухауза и русского конструктивизма), Санте Монакези и скульптор Умберто Пески. Свидетелями периода застоя в развитии европейского художественного творчества, усиленного авангардистскими течениями, объединенными под названием «Возвращение к порядку», стали художник Ансельмо Буччи (основатель итальянской группы «Новеченто», входившей в состав «Возвращения к порядку»), скульптор Куирино Руджери и, в какой-то степени, Марио Тоцци с его метафизической художественной точкой зрения.
Идеи абстракционистов (того абстракционизма, который бывает то лирическим, то геометрическим, а иногда и неформально материальным) выражены Освальдо Личини (художник, одержавший грандиозную победу на Международной биеннале искусства в Венеции в 1958 году), Вальтером Валентини, Альфио Кастелли, Нанни Валентини, Джузеппе Унчини, Франко Джули, Фульвио Лиджи, Эдгардо Маннуччи (который подсказал неформальные гипотезы знаменитейшему Альберто Бурри), Элизео Маттиаччи, Арнальдо Помодоро, Джио Помодоро, Лорено Сгванчи.
Течение концептуального искусства (вторая половина 1960-х-1970-е годы) представлено Джино Де Доминичис, с его тревожным стремлением достичь невозможного (такого, как бессмертие или способность летать), а также другими уникальными и выдающимися служителями искусства, которое каждый интерпретировал по- своему, — это Джино Маротта, Валериано Труббиани и Джулиано Ванджи.
И, наконец, широко представлены еще два направления художественного поиска, которые ознаменовали исход XX века (не утратившие своей значимости и в XXI веке, по крайней мере, в самом его начале). Первое — «цитаты из прошлого» — пытается воспроизвести, «процитировать» художественные произведения, написанные в великих традициях предыдущих веков, передав характерную повествовательную манеру и эмоциональное воздействие. Представителями этой линии являются Убальдо Бартолини, Бруно д’Арчевия и Флориано Ипполити. Второе, напротив, использует вместо традиционных кистей самые современные технологии изображения — например, электронные, — чтобы самым динамичным образом передать тот бесконечный душевный трепет, который является вечным фундаментом искусства и его выразительных возможностей.
Современная итальянская живопись
Собрание итальянской живописи — один из наиболее значимых разделов картинной галереи музея: оно насчитывает свыше пятисот пятидесяти произведений и хронологически охватывает весь период развития одной из ведущих европейских школ живописи. Из них в постоянной экспозиции представлено не более двухсот, а те, что хранятся в запасниках музея, остаются мало известными, как широкой публике, так и специалистам.
Итальянской живописи принадлежит особое место в истории Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, поскольку именно с нее начиналось формирование его картинной галереи. Основатель музея Иван Владимирович Цветаев, задумавший создать при Московском университете музей слепков с произведений классической скульптуры, еще до его открытия пришел к выводу о необходимости включения в экспозицию оригиналов, в первую очередь живописи. Окончательный перелом в его взглядах произошел в конце 1900-х годов, когда музею были предложены ценные собрания подлинных произведений. Среди них состоящая из уникальных памятников итальянской живописи XIV-XV веков коллекция дипломата М.С. Щекина, положившая начало собранию живописи. В 1924 году картинная галерея музея обрела статус самостоятельного раздела.
Раннеитальянская живопись, VIII-XIV вв.
В эпоху Средневековья живопись Италии развивалась в тесном контакте с искусством Византии, однако постепенно, со второй половины XIII века, здесь формируется искусство нового типа, по отношению к которому нередко используют термин «проторенессанс», то есть «предвозрождение».
С византийскими традициями связаны три фрагмента мозаик, некогда украшавших старую базилику Св. Петра в Риме, а также две монументальные иконы второй половины XIII века, выполненные в мастерских Флоренции и Пизы.
В XIV столетии происходил процесс формирования итальянской живописи как глубоко национального по своей природе художественного явления. Формируются основные местные школы, прежде всего флорентийская и венецианская, которые сохранят за собой лидирующее положение и в последующие века. Сиенская школа – одна из ведущих в XIV веке, представлена в собрании музея особенно разнообразно. Подписное «Распятие» Сеньи ди Бонавентуры, помощника великого Дуччо, принадлежит к числу выдающихся памятников, как и створки с изображением Марии Магдалины и Св. Августина, части не сохранившейся алтарной композиции, исполненные Симоне Мартини, выдающимся мастером первой половины XIV века.
Итальянская живопись эпохи Возрождения, XV-XVI вв.
Живопись Италии XV – начала XVI века знакомит с эпохой становления и расцвета искусства Возрождения. Идейной основой итальянской культуры эпохи Возрождения был гуманизм, а одной из его важнейших составляющих — открытие и глубокое творческое освоение античного наследия. Искусство того времени утверждает представление о высоком предназначении человека. В своих произведениях художники отображали окружающий мир, опираясь на научные достижения, они разрабатывали основы линейной перспективы, изучали анатомию человека и законы освещения.
Ведущим культурным центром в период Раннего Возрождения (XV век) была Флоренция. Сандро Боттичелли, одному из видных мастеров того времени, принадлежит полное внутренней взволнованности «Благовещение», относящееся к позднему периоду его творчества.
Высокое представление о человеке нашло воплощение в картине «Портрет юноши в образе святого Себастьяна» Больтраффио, одного из миланских учеников Леонардо да Винчи.
В эпоху Возрождения блестящий расцвет переживает венецианская школа, представленная в собрании музея работами Якопо Пальмы Старшего, Тициана, Париса Бордоне, Савольдо, Веронезе, Якопо Пальмы Младшего и других.
Итальянская живопись XVII-XVIII веков
Около 1600 года в Риме сформировались два направления – караваджизм и академизм, во многом определившие дальнейшее развитие не только итальянской, но и всей европейской живописи последующего времени. Караваджо и его последователи в качестве главного принципа провозгласили обращение к реальной действительности, в то время, как представители болонского академизма во главе с братьями Карраччи утверждали незыблемость канонов классического искусства, обогащенного практикой натурного рисунка.
Ярким примером караваджизма может служить картина «Коронование терниями» Томмазо Салини, а также «Продавец фруктов» круга Бартоломео Манфреди.
Болонский академизм представлен в собрании музея работами ведущих представителей этого направления – Гвидо Рени, Симоне Кантарини, Гверчино, Луки Феррари и других мастеров.
В Северной Италии, где живопись развивалась своим путем, работали Бернардо Строцци и Доменико Фетти.
XVII столетие в искусстве Италии принято называть эпохой барокко. Ее яркими выразителями были римлянин Пьетро да Кортона и неаполитанец Лука Джордано. Стиль барокко дал мощный импульс для расцвета пейзажа, натюрморта, жанровой картины.
Новаторские тенденции в живописи рубежа XVII-XVIII веков особенно ярко выразили Джузеппе Мария Креспи и Алессандро Маньяско.
Последний яккий период в развитии итальянского искусства связан с Венецией, выдвинувшей в XVIII веке целую плеяду блестящих живописцев, таких, как Джамбаттиста Тьеполо, Себастьяно Риччи, Крозато, Питтони, Каналетто, Беллотто, Франческо Гварди.
Итальянская живопись XIX-XX веков
В этот период Италия утратила свое лидирующее положение в европейском изобразительном искусстве и архитектуре, которое она сохраняла на протяжении четырех столетий.
Открывает данный раздел картина «Наполеон на троне» знаменитого миланского неоклассициста Андреа Аппиани. В жанре городского пейзажа работали Джованни Мильяра и Ипполито Каффи. Большой интерес представляет группа картин Джачинто Джиганте, известного мастера неаполитанского пейзажа, приобретенных музеем, начиная с середины 1980-х годов.
Итальянская живопись XIX века. От неоклассицизма до символизма
ARTinvestment.RU 29 декабря 2011
Государственный Эрмитаж совместно с Городскими музеями Павии проводит самую масштабную ретроспективу живописи Италии позапрошлого века, включающую более семидесяти произведений
Государственный Эрмитаж, 19 ноября 2011 — 22 января 2012
Гербовый зал Зимнего дворца
В рамках Года Италии в России и России в Италии в Гербовом зале Зимнего дворца проходит выставка «Итальянская живопись XIX века. От неоклассицизма до символизма», организованная Государственным Эрмитажем совместно с Городскими музеями Павии. Экспозиция является самой масштабной ретроспективой живописи Италии позапрошлого века и включает более семидесяти произведений, половина которых происходит из собрания Картинной галереи XIX века Городских музеев Павии. Кроме того, в экспозицию входят произведения из Галереи современного искусства Флоренции, Милана, Турина, Генуи. Значение выставки сложно переоценить, поскольку рассматриваемый период практически не известен российскому зрителю (в собрании Эрмитажа — чуть более шестидесяти картин итальянских художников Отточенто).
На примере лучших образцов живописи XIX века выставка демонстрирует весь спектр стилей и направлений, в которых работали итальянские художники: классицизм, романтизм, историзм, маккьяйолли, символизм.
Основные черты итальянского классицизма были заложены в творчестве Антонио Кановы. К типу возвышенно-идиллических картин на мифологические темы обращался ломбардский художник Андреа Аппиани, примером чему служит полотно «Юнона, одеваемая Грациями». Тот же античный канон возвышенной гармонии — в полотнах «Парис» и «Геба» Гаспаре Ланди. Героическую ветвь неоклассицизма представляет популярная в свое время картина «Смерть Цезаря» Винченцо Камуччини.
Обращение к эпизодам и героям национальной истории, преимущественно уже описанным в литературе, характерно для большей части живописи XIX века, начиная с романтизма. Главный художник этого направления — Франческо Хайец. В картине «Примирение Оттона II с матерью Аделаидой Бургундской» он воспроизвел значительное, но малоизвестное событие итальянской средневековой истории. В «Венере, играющей с голубками» воплотил черты знаменитой балерины Карлотты Шабер, в «Тайном доносе» показал венецианку, прекрасную и жестокую.
Художники-романтики охотно изображали выдающихся людей, героев-бунтарей в моменты славы или падения. Примеры таких произведений: «Галилей перед судом Инквизиции» Кристиано Банти, «Христофор Колумб по возвращению из Америки (Христофор Колумб в цепях)» Лоренцо Деллеани, «Лорд Байрон на греческих берегах» Джакомо Трекура.
Романтики возрождают интерес к «младшим» жанрам живописи — изображению интерьеров зданий и городских видов (ведут). В полотне «Церковь Санта Мария делла Салюте в Венеции» Ипполито Каффи экспериментирует со зрительным восприятием и световыми эффектами.
Поиски романтиков продолжили в 1860-е годы тосканские маккьяйоли: Джованни Фаттори, Сильвестро Лега, Телемако Синьорини, Джузеппе Аббати, Одорадо Боррани, Винченцо Кабьянка. Художники предложили стилистическую манеру, заменив традиционную светотень контрастным сочетанием пятен («маккья»). В новой технике маккьяйоли представляли жанровые сценки повседневной жизни: «Пение сторнелло» и «Обрученные, или Жених и невеста» Сильвестро Леги, «Свидание в лесу» Телемако Синьорини. Пейзаж в картинах «Ротонда купальни Пальмьери» кисти Джованни Фаттори и «Вид Кастильончелло» Джузеппе Аббати интересен тем, что для его создания художники работали на пленэре.
Тенденции символизма ярко выражены в триптихе Джорджо Кинерка «Загадка человека»: художник избегает ясной характеристики персонажей, предпочитая завораживать зрителя эзотерическими символами и общей магнетической атмосферой.
В последнее десятилетия XIX века европейские художники экспериментируют с новыми средствами выразительности. В Италии Анджело Морбелли разрабатывает технику раздельного мазка (дивизионизма), пример которой — картина на социальную тему «За 80 чентезимо!». Дивизионистом был и Джузеппе Пелицца да Вольпедо, символически воплотивший идеалы высокого гуманизма в картине «Хоровод».
Выставка «Итальянская живопись XIX века. От неоклассицизма до символизма» является ответом на большую экспозицию, открытую в марте 2011 года в Кастелло Висконтео «Леонардески от Фоппа до Джампетрино: картины из Эрмитажа и Городских музеев Павии», в которой участвовало двадцать два полотна из эрмитажного собрания.
Куратор выставки со стороны Государственного Эрмитажа — Наталья Борисовна Демина, научный сотрудник Отдела западноевропейского изобразительного искусства, со стороны Городских музеев Павии — Сюзанна Дзатти, директор Городских музеев Павии.
К открытию выставки издан научный каталог на русском и итальянском языках (издательство «Скира», Милан — Женева), со статьями Фернандо Маццокки, профессора Миланского университета, Франчески Порреко, хранителя Городских музеев Павии и Сюзанны Дзатти.
Читайте далее:
